Hermann Huppen

En pintura, escultura y en música, no sabría decir que artista es el mejor de todos los tiempos, con los comics me pasaría lo mismo, pero no, no me ocurre eso por una razón: Hermann Huppen.

Si Hermann Huppen no existiera, me pasaría lo mismo que con las otras artes, pero Hermann Huppen existe, es una realidad.

Cuando Hermann Huppen dibuja un personaje, no se limita a dibujar una figura, él dibuja los sentimientos humanos, tanto si se trata del personaje principal como si es secundario, Hermann lo dibuja de manera tal que podemos conocer hasta los sentimientos más íntimos del personaje.
Si ojeamos, por ejemplo su libro “les sheriffs” podremos observar como en la tercera página, última viñeta aparece un personaje llamado Concho, pues bien, la primera vez que vemos a Concho, este está de espaldas a nosotros, pero aun así, podemos adivinar el carácter que tiene dicho personaje, es decir es un tipo ruin y traidor del que no te puedes fiar… ¡y lo estamos viendo de espaldas a nosotros!!

Hermann Huppen dibuja hasta el más mínimo detalle, pero lo hace de manera tal que nunca resulta molesto para la narración, sus detalles, al contrario que los de otros dibujantes, no solo no molestan, sino que contribuyen a la narrativa de su historia, podemos observar que Hermann dibuja las manos de cada personaje de manera distinta, pues no es lo mismo un tahúr que un tipo fuerte o que un banquero o un vaquero.

Y lo mismo podemos decir de los cuerpos y las caras de todos sus personajes, con Hermann incluso los caballos son diferentes entre si, y como digo todo ello sin molestar a la narrativa.

Cuando hablo de detalle no me refiero a eso que muchos hacen, llenar las viñetas con innumerables detalles y rayitas Para disimular sus carencias como dibujantes. Con Hermann el detalle es otra cosa, por ejemplo, Hermann no solo dibuja el paisaje por el que transcurre una aventura, él dibuja el ambiente, el clima… con Hermann Huppen podemos sentir el frío o el calor del momento, del instante en el que está trascurriendo la aventura.

Es notabilísima su manera de narrar, no repite un plano, sus continuos cambios de plano contribuyen a que el ritmo de la narración sea perfecto, con unos momentos tranquilos y otros trepidantes.

Sus encuadres conducen la mirada del lector por donde el dibujante quiere en todo momento, consiguiendo que la lectura sea rápida y eficaz, y todo ello con unos encuadres de una belleza estética perfecta, cuando Hermann dibuja cualquier objeto, un árbol por ejemplo, no lo dibuja por que sí, él lo coloca de manera que dé profundidad a la escena, o que guié la mirada hacia donde debe, o ambas cosas a la vez, ese árbol no será el mismo si la aventura ocurre en un sitio u otro, pues no es lo mismo un Pino que un Olmo.

Hermann Huppen ambienta las escenas con claroscuros, jugando con las sombras proyectadas sobre las figuras y objetos, de manera que sumado a la expresividad de los personajes y a su manera de componer las páginas, consigue una credibilidad única e inigualable.

Otra cosa que asombra de este artista es su manera de dibujar la anatomía, cuando ves una figura desnuda o con partes descubiertas dibujada por Hermann, puedes adivinar la edad del personaje, un buen ejemplo se puede ver en su libro “Missié Vandisandi”.

Muy importante en sus trabajos es también la documentación, tanto en vestimenta como en paisajes, serian innumerables los ejemplos, así que diré solo uno, el libro “Asunta” de la serie “Bois- Maury” la acción transcurre en Sicilia, poco antes de los hechos conocidos como “las vísperas sicilianas”, pues bien, el trabajo de Hermann respecto a los ropajes de tropas, de campesinos, y sobre todo el trabajo realizado con respecto al paisaje siciliano es de una calidad jamás vista en un comic.

Estaría páginas y más páginas hablando de Hermann Huppen, pero en algún momento tengo que parar, pero no sin antes hacer mención a los guiones, pues son de una grandísima calidad literaria.

Si queréis saber más sobre Hermann Huppen (los que no lo conozcan, claro está) os invito a que leáis sus trabajos, no os arrepentiréis nunca, palabra.




Trabajos de Hermann Huppen: comanche, Bois- Maury, Missié Vandisandi, Jérémiah, luna de guerra, Sarajevo-Tango y más.
Yo para empezar os recomendaría los 13 libros de Bois- Maury publicados en España.
Kraustex.

Hermann Huppen nació en Bévercé, Bélgica, en 1938.
En sus principios como dibujante de comics en los años sesenta trabaja para la revista Spirou, de donde pasa atrabajar para la revista Tintín junto al guionista Grez, con dos series que consiguieron gran renombre, Bernard Prince y Comanche.

A partir de 1979 realiza sus propios guiones y dibujos con la serie Jérémiah a la que seguirían “Las Torres de Bois- Maury”, “Nic” y también realiza historias sueltas
algunas con guión de su hijo Yves, que también es artista de talento, pues ya se sabe, de tal palo tal astilla.

No deben perderse el magnífico libro dedicado a la obra de Hermann Huppen,
"Hermann. La pasión de narrar" de Norman Fernández, es cómo digo, un gran trabajo, y no puede faltar en la biblioteca de ningún “Hermannofilo” que se precie.

http://www.hermannhuppen.com/

http://users.telenet.be/encyclopedia-hermanni/World/World_frame_overview.htm

Rafael Fuster Insa.

Rafael Fuster Insa.

Pintor nacido en La Font d’Encarros, 1934.
Su pintura es de composición valiente, su pincelada es de gran fuerza y espontaneidad,con un dominio del color y el dibujo realmente magistrales.
Su obra ha sido expuesta en las mejores galerías de España, Alemania, Miami, México, Londres, Nueva York (galería María Callas)Rafael Fuster es un artista de calidad excepcional, y de sensibilidad fuera de serie, sin duda uno de los mejores artistas de la actualidad.

Kraustex.



Para contactar con el artistallamar al teléfono 96 283 35 94

Art rupestre Miguel Ángel Guerrero

ARTE RUPESTRE EN LAS COMARCAS DEL NORTE DE ALICANTE

En 1998 la UNESCO incluyó en la lista del Patrimonio de la Humanidad el denominado Arte Rupestre del Arco Mediterráneo de la Península Ibérica. Se trata de un gran conjunto de arte rupestre (arte paleolítico, arte levantino, arte esquemático, arte macroesquemático), desde los Pirineos hasta la provincia de Granada, abarcando territorios de las comunidades autónomas de Cataluña, Aragón, Castilla-La Mancha, Murcia, Andalucía y Comunidad Valenciana. Se trata de un conjunto de unos 750 abrigos rocosos o acantilados en los cuales se han encontrado representaciones figurativas que van desde simples trazos geométricos a complejas escenas de caza, recolección, danza o guerra, incluyendo figuras humanas y animales. El conjunto de las pinturas rupestres del fin de la prehistoria sitas en el arco mediterráneo de la Península Ibérica es el grupo más grande de lugares de arte rupestre que se puede encontrar en toda Europa y que ofrece un retrato excepcional de la vida en un periodo esencial de la evolución cultural humana.

Estas piezas son reproducciones a escala 1:1 de las principales pinturas de arte rupestre que se encuentran en los abrigos de las comarcas del Norte de Alicante y que han sido descubiertas por el Centre d’Estudis Contestans (Cocentaina). El destino natural de estas reproducciones son los museos arqueológicos ya que los abrigos no se pueden llevar a éstos.

El soporte, que se reproduce aproximadamente a base de estucos y otros materiales que le dan relieve, respeta los desconchados y accidentes más importantes o significativos. No se ha tenido la intención de hacer moldes de los paneles por la imposibilidad de poder ser colgados en las paredes. Utilizo distintos tipos de pintura, la mayoría al agua y en muchas de ellas se ha exagerado la intensidad del color para que los motivos pictóricos se hagan más evidentes al espectador. Todavía sigo en proceso de experimentación tanto en materiales como en el tipo de ejecución, e igualmente, pretendo seguir ampliando esta colección de obras sumando poco a poco otros ejemplos de arte rupestre del mediterráneo peninsular. Se pueden comparar las dimensiones, los colores típicos de los diferentes tipos de arte (macroesquemático, esquemático y levantino), las superposiciones, lo que se a pintado en desconchados (Benialí), etc.

ARTE LEVANTINO

El Arte Levantino se extiende por la zona oriental de la Península Ibérica, desde Huesca y Lleida por el norte, hasta Murcia y Albacete por el sur, con una excepcional concentración en la Comunidad Valenciana. La técnica empleada es mayoritariamente la pintura de color rojo y excepcionalmente el negro, el blanco y el grabado, que en la actualidad presenta, tal y como ocurre con el Arte Macroesquemático y por las mismas circunstancias, una gran variedad de gamas. Lo más común es la tinta plana, aunque muchas figuras antropomorfas y zoomorfas (los ciervos y una figura humana del Abrigo I de La Sarga y varios ciervos y antropomorfos de la Cueva del Mansano) presentan un cuerpo listado. Existen, asimismo, algunas figuras realizadas mediante un delgado trazo para el que debieron de utilizar un pincel extraordinariamente fino (tal vez una pluma de ave) tal y como se puede comprobar en un antropomorfo del Panel 6 del abrigo de Torrudanes. En el arte levantino de las comarcas del norte de Alicante los temas dominantes son los antropomorfos y zoomorfos, aislados o formando escenas. Existen, además, representaciones de objetos aislados, árboles e ideogramas geométricos.

ARTE ESQUEMÁTICO

Se denomina Arte Esquemático a una serie de representaciones prehistóricas (sobre todo pintadas y casi siempre rupestres) que aparecen en la Península Ibérica asociadas mayoritariamente a las primeras culturas metalúrgicas (Calcolítico, edad del Bronce e incluso con pervivencias marginales en el inicio de la edad del Hierro). La cronología es, todavía, tema de debate, pero podía abarcar desde el cuarto al primer milenio antes de Cristo, solapándose, en sus inicios, con el Arte Levantino y perviviendo marginalmente en algunas zonas aisladas durante etapas muy tardías. Su principal característica, y la cual le da nombre, es el esquematismo, es decir, un estilo figurativo en el cual sólo se representan los elementos básicos de cada figura (eliminando todos los otros); además, la representación es tan básica que los elementos gráficos se convierten en meros bocetos, pero sin perder los signos mínimos de identificación. De hecho, el fenómeno esquemático se considera poco preciso y problemático, y se integra en un amplio movimiento que afecta a casi toda Europa y el Mediterráneo (en realidad, podría decirse que el fenómeno esquemático tiene dimensiones globales), aunque cada región, incluida la hispana, tenga aspectos propios y diferenciadores.

ARTE MACROESQUEMÁTICO

En 1980 el Centre d’Estudis Contestans (Cocentaina) descubrió en la partida del Pla de Petracos, en Castell de Castells (Marina Alta), varios abrigos con pinturas rupestres que por sus dimensiones y temática no tenían paralelos con ninguna otra manifestación artística conocida en la Península Ibérica. Con posterioridad se han localizado otros yacimientos hasta llegar al registro actual de 9 estaciones, al mismo tiempo que se demostraba su cronología prehistórica, puesto que en el Abrigo I de La Sarga, en Alcoi, y en el Abrigo IV del Barranco de Benialí, en Vall de Gallinera, se encontraban infrapuestas a representaciones pertenecientes al Arte Levantino. Los descubrimientos del Pla de Petracos y de otros abrigos alicantinos permiten interpretar las pinturas más antiguas del Abrigo I de La Sarga como pertenecientes al Arte Macroesquemático, puesto que se puede identificar claramente una figura humana de ancho tronco y cabeza circular con los brazos en posición de orante, en los cuales se indican los dedos, y varios serpentiformes verticales también acabados en bifurcaciones a manera de dedos. Se incluyen en este horizonte artístico los serpentiformes horizontales y algunos de los antropomorfos del Abrigo II de La Sarga. Esta cronología prelevantina del Arte Macroesquemático es corroborada en el Panel 2 del Abrigo IV del Barranco de Benialí, donde uno de los serpentiformes aparece cortado por un desconchado, en el interior del cual se realizaron una serie de trazos Levantinos. La existencia de paralelos muebles en la Cova de L’Or (Beniarrés, Alacant), Cova de la Sarsa (Bocairent, València) y Cova de les Rates Penades (Rótova, València) permite datarlo en el Neolítico antiguo y relacionarlo con las primeras comunidades de agricultores y ganaderos del País Valenciano.

Miguel Ángel Gerrero.

cómo hacer de un artista alguien importante y cotizado

1º- se busca un pintor "diferente" 2º- se le hace un contrato abusivo en caso de que no sea un pintor muerto, en cuyo caso todo sería más fácil. 3º- se cogen unos millones y se unta a los directores de los museos en los que nos interese que la obra de dicho pintor este presente. 4º- se unta a quien haga falta para que también este su biografía en las mejores enciclopedias y libros. (No faltara quien se crea todo lo que se dice en esos libros y enciclopedias importantes) 5º- se organiza una subasta y uno mismo puja para elevar el precio (en caso de artista muerto) Bueno, a partir de ahí el negocio marcha solo y los millones llueven. Esa es la táctica de algunos marchantes cómo Henry Kahnweiler y otros cómo la banca americana…
Kraustex.

Los mejores, ¿según quien? 3

Si analizamos la maja desnuda observaremos varias cosas,primero, el cuerpo de la modelo, esta tieso, agarrotado…también observamos que el cuerpo de la modelo no se hunde entrelas almohadas, esta como flotando, como si se tratara de un muñecoque no pesa lo suficiente cómo para hundirse entre dichas almohadas,resulta muy extraño…Observemos los pechos, no conocen la ley de la gravedad…la cabeza parece recortada y pegada…las piernas parecen bien realizadas, pero los brazos están hechosbastante torpemente, y que decir de las escondidas manos?La composición del cuadro es bastante simplona, no aporta nada….El cuadro, en general no es que sea malo, el caso es: ¿merece la fama que tiene?
Aquí tenemos dos desnudos de pintores actuales, uno muy suelto y el otro más “amarradito”estos cuadros están claramente mejor de anatomía, y las poses son más atrevidas, nopresentan “defectillos” cómo que la modelo flote y no se unda entre sabanas y almohadas, etc.Estos artistas se llaman Pino, “el más suelto” y Jacob Collins el más realista¿De verdad estos artistas actuales son mucho peores que Goya? Yo creo que eso no se lo cree ni el director del museo del Prado, yo preferiría pintar cómo cualquiera de ellos antes de tener que hacerlo cómo el sobrevalorado Goya.De todas maneras es comprensible que se valore a unos cuantos artistas mas quea la inmensa mayoría, porque de lo contrario no se podrían pagar las fortunas que se están pagando por esa minoría de pintorescómo Goya.Se podrían analizar a muchos de los que están en los museos, Renoire, Monetpero espero que lo hagan ustedes, y que a partir de ahora tengan una mirada mas criticasin importarles lo que hayan escrito antes los críticos e historiadores de arte.Kraustex.
Aquí tenemos un ejemplo de cómo Goya pintaba casi todas las caras iguales.La maja desnuda, pese a ser un retrato tiene una cara muy parecida al majodel otro cuadro, si visitáis el museo de Prado podréis ver muchos mas ejemplos

Los mejores, ¿según quien? 2

Aquí tenemos un ejemplo contrario al de Van Gogh.
Cogemos a un artista actual al tuntún, en este caso una pintora.

Su pintura tiene una gran soltura de pincelada, con trazos sueltos y valientes,
La composición es perfecta y cumple con su deber, pues hace que la vista del
espectador recorra todo el cuadro por donde la artista pretende, sin perder detalle.
Tiene una gran armonía de color.
No hay líneas como en los tebeos (comics) y las formas son perfectas pese a la
gran soltura en la ejecución, la luz, al contrario que en Van Gogh, en esté cuadro
sí tiene sentido , no faltan las luces , las sombras , los reflejos.
Y etc. etc. etc.
Esta artista es Susan Lyon. Yo preferiría pintar cómo ella a hacerlo cómo Van Gogh,
por que hace tiempo que estoy curado ( y mira que es difícil de curar) del lavado
de cerebro al que estamos sometidos desde el siglo XX.
Kraustex.

Los mejores, ¿según quien? 2

Un ejemplo.



Aquí tenemos un famoso cuadro de Van Gogh, analicémoslo.
Tenemos un jarrón con flores, el jarrón esta torcido, las flores
son todas iguales cómo si las hubiesen hecho con una plantilla,
la mesa está separada del fondo con una línea, al igual que el
jarrón cual si de un dibujo de comic se tratara…
Sigamos, a Van Gogh se le ha olvidado pintar las sombras, y
sabemos que todos los objetos proyectan y reflejan sombras…
la composición del cuadro es centrada, y carente de interés,
los colores tal cual salen del tubo, sin apenas mezclas etc.

No faltará quien defienda esté cuadro, y diga que Van Gogh
pinto este y muchísimos cuadros mas con las características
que he enumerado, por que quería, porque era un genio…
no, los genios no cometen errores de ese calibre en la mayoría
de los cuadros que pintan, y además puedo asegurar que nadie
pinta cientos de cuadros mal deliberadamente, cuando se pinta
mal es porque no se sabe hacer mejor.

Conozco cientos de artistas que no pintan tan mal e incluso pintan
maravillosamente y no son ni serán tan famosos como Van Gogh.
¿Por qué no son tan famosos?

Pues cómo ya dije, venden casi todo lo que pintan y a su muerte
a los especuladores les será difícil acumular cientos de sus cuadros,
los museos no estarán repletos de sus pinturas y por tanto no
estarán obligados a justificar el por que tienen tantos cuadros de ellos,
y no se verán obligados a hacernos creer que se trata de los mejores
artistas del mundo, de manera que se formen colas inmensas de
personas convencidas de lo que les cuentan los libros y películas
y de esa manera ganar mucho, mucho dinero, etc. etc.

Los mejores, ¿según quien?

Eso de los mejores artistas tiene gato encerrado… Hay entidades que tienen intereses en hacernos creer que unos artistas son muy superiores a los demás, gobiernos, bancos americanos, museos etc. Ya de pequeños, estos empiezan a hacernos un lavado de cerebro con los libros de texto, si se fijan, en dichos libros aparecen siempre los mismos pintores, Velázquez, Goya, Van Gogh etc. es todo un plan para que sus negocios marchen viento en popa… Cojamos por ejemplo a Van Gogh: ¿De verdad creéis que es lo mejor de holanda en el S XIX? ni de lejos… pero si se reconociera que en holanda habían muchísimos artista igual de buenos e incluso mejores, se acabaría el negocio, ya no tendría sentido que un Van Gogh valiese miles de millones, y la gente no haría colas inmensas para ver sus cuadros, y holanda perdería muchos miles de millones que se gana con el turismo que la visita etc., etc. Lo mismo se puede decir de Goya y todos los demás… el Prado (España) tiene cientos de Goyas, por tanto Goya es un gran genio y debemos hacer colas para ver sus cuadros para que “ellos” puedan ingresar muchos millones de €. El día que se reconozca que en realidad hay miles de artistas tan buenos y mejores que esos con los que nos machacan desde nuestra tierna infancia, ese día se les acabaría el negocio, ese día no vendrá nunca.
Kraustex.

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EFE - hace 2 horas 12 minutos

Sydney (Australia), 3 ago (EFE).- "Cabeza de Hombre", el único cuadro del pintor Vincent Van Gogh que figuraba como tal en la Galería Nacional de Arte de Victoria, ha resultado ser una falsificación, reconoció su director, Gerard Vaughan.

Según indican hoy los medios locales, un grupo de investigadores de la ciudad holandesa de Amsterdam determinó la falsedad del cuadro, adquirido por la galería en 1940 por 2.196 libras, valorándose en la actualidad en unos 21,5 millones de dólares.

Sin embargo, Vaughan declaró que no existen pruebas de que el autor o autores del cuadro tuvieran intención de hacerlo pasar por un Van Gogh.

La autoría de la pintura fue cuestionada por el rotativo londinense "Sunday Times" después de que el lienzo fuera prestado a la Dean Gallery de Edimburgo con motivo de la exposición "Van Gogh y Gran Bretaña: coleccionistas pioneros".

La Galería de Arte de Victoria decidió enviar el cuadro a Amsterdam antes de su envío a Reino Unido para que fuera examinado.

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Esta es una noticia fresca.

Mí comentario: pero es que se ve a kilómetros que eso no es un Van Gogh, Van Gogh no pintaba tan bien como el autor de esa obra, que por otra parte yo no veo como copia de un Van Gogh, a saber de donde sacarían esa idea.

Este cuadro esta realizado con mas soltura y precisión de la que jamás ha tenido el famoso Holandes , y no es que quiera menos valorar a Vincent, pero él hubiese sido incapaz de conseguir una expresión como esa, con una mirada tan humana, tan llena de vida.

¿Y ahora qué? ¿Ese cuadro ya no vale un pepino? ¿O buscaran al autor para nombrarle genio? este era un cuadro genial de “Van Gogh” y ahora no es nada, por que lo pintó otro

que no esta apoyado por gente interesada en él. Si este pintor (de saberse quien es) tiene poca obra, no será un negocio y pronto este cuadro desaparecerá en el más profundo de los olvidos,

por que hay quien se empeña en que unos sean “genios” y otros no.

Algo parecido ocurrió en España no hace mucho, resulta que se encontró un nuevo Goya,

una “obra maestra” decían, yo lo vi en la tele, y al acto le dije a mi madre allí presente:

Eso no es un Goya! mi madre sorprendida por mi afirmación pregunto como lo sabía yo eso

Muy fácil, le conteste, es un cuadro demasiado bueno para ser de Goya, Goya no pintaba así

ni en sueños.

El caso es que al día siguiente apareció la misma presentadora de telediario, a la misma hora,

y dijo que era un error, se habían equivocado los expertos, se precipitaron, aquel no era un Goya era un (no me acuerdo) cuadro de otro pintor, no tan importante (seguramente porque el estado español no tiene cientos de cuadros suyos, como sí ocurre con Goya) el caso es que nunca se supo mas de aquel cuadro que por un día fue obra maestra, genialidad goyesca, en fin, una pena, pero así son las cosas.